Il cinema ci ispira, ci stupisce e ci affascina, trasportandoci in situazioni e luoghi totalmente estranei alla nostra vita quotidiana, o così simili alle nostre esperienze e sentimenti che difficilmente possiamo credere che qualcuno sia riuscito a catturarli. Il cinema ci permette di vivere in altri mondi e altre volte, di saltare nelle vite degli altri e di sperimentare l’ignoto. In tutto il suo stile, brillantezza e spavalderia, il cinema è grandioso. Tutto ciò è possibile per un particolare dispositivo cinematografico: i piani sequenza.

I piani sequenza e il tracciamento di sequenze estese di un singolo colpo sono una meraviglia tecnica, che richiede una mano abile e una manipolazione estremamente abile di luce e ombra, tempismo e movimento. Ma la funzione di queste sequenze va oltre il valore tecnico: il loro ruolo è quello di immergere il pubblico all’interno della scena in modo così completo che il film diventa per il pubblico una realtà temporanea. E una volta fatto bene, con stile e sicurezza, alcuni scatti singoli spiccano più di altri. Ecco dieci dei piani sequenza più belli del cinema e della televisione.

The Protector – La legge del Muay Thai

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L’attore tailandese Tony Jaa è arrivato sulla scena internazionale delle arti marziali con il suo ruolo da protagonista in Ong-Bak: Muay Thai Warrior di Prachya Pinkaew nel 2003, che ha caratterizzato alcune delle scene di combattimento più incredibili mai filmate, tra cui molte in grandi riprese realizzate in modo eccellente. Poi, due anni dopo, Jaa e Pinkaew si sono uniti di nuovo per The Protector e in qualche modo hanno sbalordito i fan delle arti marziali in tutto il mondo ancora una volta, con un film che era più grande, e più audace in ogni modo rispetto al suo predecessore.

Il film riguarda un giovane (che sembra essere un combattente Muay Thai molto talentuoso) che vive nelle zone rurali della Thailandia con gli elefanti che adora, fino a quando un giorno un elefantino viene rubato e trasportato in Australia, e il protagonista vuole recuperarlo a tutti i costi. Anche se la trama non è propriamente in linea con i film di arti marziali, The Protector ha sorprendentemente mostrato tutte le scene di combattimento sapientemente coreografate, la più impressionante delle quali è la sequenza one-shot che segue Jaa attraverso un edificio mentre combatte una scorta apparentemente infinita. È ancora una delle scene di combattimento corpo a corpo più lunghe mai girate e uno dei piani sequenza più riusciti.

Jackie Brown

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Pochi registi incarnano i loro film come Quentin Tarantino. Anche se Pulp Fiction è il film più riconosciuto di Tarantino, la gemma sottovalutata del regista è Jackie Brown. Adattato dal romanzo Rum Punch dalla leggenda della narrativa poliziesca Elmore Leonard, che è forse la più grande influenza di Tarantino al di fuori del cinema, l’omonimo personaggio di Jackie Brown è una donna di colore di mezza età e l’ambientazione è Los Angeles. Tarantino ha sollevato la storia con una persona di mezza età di colore nel ruolo principale (interpretato da Pam Grier), e una colonna sonora e uno stile che rievocano i film dei primi anni ’70, evitando le rappresentazioni stereotipate dannose dei neri americani.

In vero stile Tarantino, tutte le intenzioni del film vengono introdotte in modo vivido ed elegante nel piani sequenza di apertura del film in cui la telecamera segue Brown per l’intera lunghezza. Anche il carattere del testo, come il titolo del film, appare sullo schermo durante questa sequenza ed evoca questa era: è lo stesso carattere di Foxy Brown del 1974, interpretato sempre da Grier. Quando termina questa sequenza di apertura, il tono di Jackie Brown è fermamente stabilito e il pubblico è risucchiato profondamente nel mondo di Tarantino.

The Shining

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Grazie all’importanza dell’ambientazione dell’Overlook Hotel nell’adattamento di Stanley Kubrick del romanzo horror di Stephen King, è stato fondamentale che il film desse vita all’hotel vividamente come personaggio a sé stante. Il silenzio inquietante dell’enorme e vuoto Overlook è la fonte dell’atmosfera (ironicamente) claustrofobica del film, quindi è stato fondamentale portare il pubblico in hotel. La misteriosa fluidità del movimento della telecamera unita al ritmo rapido, evoca la sensazione di qualcosa alla ricerca del personaggio di Torrance, piuttosto che semplicemente seguirlo. Il vasto vuoto dell’hotel, i suoi colori inquietanti e il freddo silenzio mascherato solo dalle ruote del triciclo, sono gli ultimi ritocchi che conservano questa sequenza nella storia del cinema.

Hard Boiled

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Assomigliando un po’ a Die Hard e alla sparatoria in carcere di Terminator, la famosa sequenza di sparatorie in ospedale in Hard Boiled di John Woo offre così tanta energia e brividi che anche per gli standard moderni sembra qualcosa di innovativo. Con la telecamera che mostra in gran parte il punto di vista del protagonista mentre fa esplodere dozzine di nemici nell’oblio, l’effetto è simile a quello dei videogiochi. La violenza stilizzata e lo spin creativo nei film d’azione di John Woo sono stati fonte di grande ispirazione per una generazione di registi, e Hard Boiled è il capolavoro di Woo, nonché uno dei più grandi film d’azione di tutti i tempi.

True Detective, Stagione 1, Episodio 4

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Dal debutto de I Soprano nel 1999, le serie televisive drammatiche sono diventate sempre più cinematografiche e, aggiungendo l’ascesa dei servizi di streaming nel mix, la distinzione tra film e TV si è notevolmente attenuata. La prima stagione di True Detective è senza dubbio il più grande esempio di come possa essere la TV cinematografica, e nessuna sequenza nell’intero show lo mostra meglio del piano sequenza strabiliante che si verifica durante un falso raid della polizia, mentre il detective Rust Cohle (Matthew McConaughey) è sotto copertura.

La sequenza è composta da cinque minuti e mezzo di alta tensione e azione esplosiva con coreografie a tempo intricato, e mette in mostra le immagini riconoscibili per le quali è conosciuta la prima stagione di questa serie. Si verifica un momento attorno ai 2 minuti e 50 secondi in cui un taglio abilmente mascherato potrebbe essere nascosto, ma l’effetto è continuo e i due one-shot sono esempi magistrali di come possono essere eseguite sequenze eccellenti.

Revenant – Redivivo

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Dopo Birdman del 2014, Lubezki ha illustrato ancora una volta la sua maestria in Revenant, per la quale ha vinto il suo terzo Oscar. Ci sono molti lunghi shot e piani sequenza che vale la pena sottolineare, ma le sequenze a scatto singolo che compongono la battaglia scioccante del film, sono le più impressionanti. Questi scatti sono particolarmente degni di nota a causa della natura della produzione incredibilmente difficile del film.

Girato nella vasta e incontaminata regione selvaggia di Calgary, in Canada, ci sono volute quattro ore ogni giorno, solo perché l’equipaggio percorresse le strade non asfaltate, dove erano quindi soggetti a temperature mortali, orsi vaganti e attrezzature congelate – non a menzionare la finestra di luce naturale necessaria per le riprese. E mentre Lubezki e Iñárritu avevano realizzato lo straordinario con Birdman, avendo avuto il vantaggio di un set di Hollywood, sparare nell’infinito deserto è un’altra storia, ed è questo fatto che porta Revenant nel pantheon dei più grandi successi della cinematografia.

L’infernale Quinlan

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Il film noir è più bello di quasi ogni altra cosa e L’infernale Quinlan di Orson Welles è uno dei più belli, in particolare grazie alla magnifica sequenza che apre il film – un risultato notevole oggi, figuriamoci nel 1958, e in parte perché il film è considerato come uno dei migliori mai realizzati. Ciò che la maggior parte delle persone non sa, però, è che Welles non era così orgoglioso di questo long shot come lo era di un altro, molto più lungo e tecnicamente realizzato più avanti nel film. In ben 12 minuti e ambientato all’interno di un appartamento per evocare sentimenti di claustrofobia nel suo pubblico, il long shot fu intenzionalmente progettato da Welles per essere invisibile, e poche persone sanno che esiste. Tuttavia, il fattore interessante è questa foto di apertura che ha ispirato ogni lungometraggio mai girato da allora.

Gravity

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Il regista Alfonso Cuarón, insieme al direttore della fotografia Emmanuel Lubezki immaginano scatti lunghi come pochi altri colleghi a Hollywood. Hanno mostrato di cosa sono capaci in I figli degli uomini, ma è con Gravity che hanno creato il loro capolavoro. L’apertura del film di 17 minuti porta gli spettatori nella silenziosa serenità dello spazio, come non è mai stato visto prima. La telecamera ruota lentamente e fluidamente in modo da imitare la sensazione di galleggiamento in un ambiente privo di gravità, mentre il globo terrestre brilla sullo sfondo in basso.

Ma più che una lunga esperienza magistrale, Gravity ha fatto un uso mozzafiato della tecnologia 3-D. Cuarón disse a The Daily Beast che dei quattro anni e mezzo impiegati per realizzare il film, tre e mezzo si sono concentrati esclusivamente sul lavoro 3D. Gravity ha vinto sette premi Oscar, tra cui il miglior film e regia. Sembrerebbe, quindi, che Cuarón e Lubezki abbiano raggiunto ciò che si erano prefissati.

Quei bravi ragazzi

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Nessuno dei piani sequenza è così famoso e venerato come quello de Quei bravi ragazzi di Martin Scorsese, che porta il pubblico nel leggendario nightclub Copacabana di New York, con gli attori Ray Liotta e Loraine Bracco. È così famoso, infatti, che ha il suo titolo ben noto: The Copa Shot. Sorprendentemente, è stato girato in poche riprese e completato durante la pausa pranzo. Il Copa Shot è così iconico, non per l’incredibile tecnicità, ma per la sua potenza come dispositivo di narrazione, che, in definitiva, è il segno distintivo di ogni grande scena.

Invitando il pubblico a Copacabana con Henry Hill (Liotta), che a sua volta sta portando con entusiasmo la sua futura moglie nel club per la prima volta, il pubblico si sta effettivamente dedicando al viaggio della vita di Hill in un modo incredibilmente intimo, che è esattamente ciò che l’intero film intende raggiungere. Il Copa Shot, con il suo entusiasmo vertiginoso e il movimento fluido e scorrevole nel seguire Hill, esprime anche la speranza e l’eccitazione che prova in questo momento, in cui tutta la sua vita è distesa davanti a lui come una tela bianca. Questo insieme di piani sequenza attira il pubblico nel mondo di Hill più profondamente di qualsiasi momento precedente e, quando finisce, resta intossicato dalla vita di Hill come lui.

1917

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Basato sul racconto di suo nonno di essere un messaggero nella Prima Guerra Mondiale, il regista Sam Mendes ebbe una visione: un film dell’epoca presentato interamente come un piani sequenza in tempo reale, sullo stile di Arca Russa. Secondo la CNN, quando il direttore della fotografia Roger Deakins e l’editore Lee Smith sentirono l’idea di Mendes, non erano sicuri se fosse serio. A causa dell’ampiezza e dell’intensità dei film di guerra, il concetto di Mendes è probabilmente il più ambizioso nella storia del cinema. Ogni momento di questo film è così sorprendente e ipnotizzante che chiede di essere rivisto di nuovo non appena i titoli di coda scorrono. Deakins e Mendes meritano, non solo gli Oscar, ma di entrare nella storia del cinema per i loro ruoli nel film più stimolante di tutti i tempi.

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