Luchino Visconti: il racconto di una filmografia dal gusto nobile

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La cinematografia di Luchino Visconti ha reso ogni suo film emozionante, caratterizzata da temi importanti, come la vita della classe più bassa d’Italia.


Nato nella nobiltà italiana dell’alta borghesia nel 1906, Luchino Visconti è cresciuto in un ambiente di alta cultura, diventando un giovane impegnato in teatro e musica. Durante la seconda guerra mondiale divenne critico nei confronti della sua generosa educazione, unendosi al partito comunista e concentrando i suoi film sulla classe più bassa d’Italia. Visconti era anche apertamente omosessuale, aveva rapporti con il regista Franco Zefferelli e l’attore Helmut Berger, e spesso includeva temi omosessuali nelle sue opere. Con il suo primo film, Ossessione, Visconti iniziò il movimento neorealista italiano, aprendo la strada a registi importanti come Vittorio De Sica e Roberto Rossellini. Anche La Terra Trema e Bellissima hanno seguito questo tema, esibendo un’atmosfera molto più grintosa rispetto ai suoi film successivi, ma concentrandosi ancora sulla complessità delle emozioni umane.

Con Senso, Visconti ha continuato a concentrarsi sulla lotta della classe inferiore, ma ha esplorato la produzione grandiosa e redditizia, che sarebbe poi diventata un punto fermo dei suoi film a venire. Negli anni ’60, Luchino Visconti cambiò l’argomento principale dei suoi film per concentrarsi su temi aristocratici come in Il Gattopardo e Ludwig, definendo una nuova era nella produzione cinematografica, che continuò fino alla fine della sua carriera. I temi dei suoi film non sono sempre piacevoli, ma la bellezza della sua arte è costante per tutta la sua vita. La straordinaria cinematografia e inquadratura rendono ogni scena un’opera d’arte, e le serie storiche dettagliate dei suoi film sono estremamente realistiche e belle. Insieme a una colonna sonora sempre emozionante, i film di Visconti suscitano forti emozioni non solo attraverso le sceneggiature e gli attori, ma anche grazie al suo uso dinamico e potente del film. Mentre la prima metà della sua carriera è stata ispirata dalle sue esperienze durante la guerra e dagli ideali dei comunisti, la seconda metà si è basata sull’arte più grande della letteratura classica e della musica.

Ciò è dovuto in parte al fatto che Luchino Visconti non solo dirige i film, ma lavora anche come regista d’opera di successo, affermandosi negli anni ’50 con una serie di collaborazioni con la diva dell’opera Maria Callas. Il suo amore per l’opera e la musica classica si manifesta spesso nei suoi film, diventando un importante aspetto narrativo. Un altro risultato dell’educazione classica di Visconti è mostrato nella quantità di famosi romanzi, che si adatta allo schermo come Lo Straniero e Morte a Venezia. Il romanticismo di queste opere è ingigantito, producendo relazioni strazianti e appassionate, commuovendo profondamente il pubblico. Anche se alcuni dei suoi film più personali possono essere un po’ noiosi, il prodotto finale vale sempre l’attesa. Vincitore di numerosi premi prestigiosi come il Palm d’Or e il Leone d’oro, oltre a essere stato nominato per un Oscar, Visconti è stato uno dei registi più celebrati d’Italia del XX secolo. I suoi 14 film elencati di seguito mostrano la sua carriera distintiva nel cinema, fino alla sua morte nel 1976.

Ossessione (1943)

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Il primo film di Visconti è un adattamento del romanzo di James M. Cain, The Postman, con un cambio di location in Italia. Ossessione è interpretato da Massimo Girotti nel ruolo di Gino, un vagabondo che inizia una relazione con Giovanna, interpretata da Clara Calamai. I due si innamorano e uccidono il marito di lei, che si mette in mezzo alla loro felicità. Con la pressione della polizia e la sua crescente colpa, Gino diventa sempre più nervosa e paranoica, cercando di trovare una via d’uscita dalla situazione.

I temi controversi del film sono stati scioccanti per le autorità fasciste e hanno distrutto il film, ma per fortuna Luchino Visconti ha tenuto una conferenza stampa dove si è potuto spiegare. È un film molto influente, che inizia il movimento neorealista in Italia con la sua rappresentazione cupa della vita e dei personaggi rurali. La passione in questo film è grintosa e cruda, a differenza delle raffigurazioni romantiche dei suoi film successivi. Gli insiemi di vecchie case fatiscenti sono scarsamente illuminati per mostrare lo stato deprimente della popolazione. Ossessione potrebbe non essere il film più raffinato o epico di Visconti, ma è un grande debutto, che cattura un ritratto realistico della vita italiana.

La Terra Trema (1948)

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La Terra Trema è il film più dedicato di Visconti al genere neorealista, che impiega attori non professionisti e l’uso di luoghi reali come set. A metà strada tra un documentario e una narrazione, il film segue una famiglia di pescatori siciliani, i Valastros, che nel tentativo di fare più soldi, aggirano i grossisti e diventano proprietari stessi. Questa decisione ha una responsabilità maggiore di quella che i Valastros si aspettano, specialmente quando la loro barca viene distrutta da una tempesta. Il declino della famiglia nella povertà e nella depressione prosegue mentre le loro relazioni si sgretolano attorno a loro.

Oltre ad assumere veri pescatori e usare i loro villaggi per girare, il film descrive anche diversi aspetti dell’industria della pesca e del mercato, creando la sensazione di un documentario. Il ritmo rilassato e la lunghezza, tipici di Luchino Visconti, rendono la caduta dei Valastros ancora più scoraggiante. Inizialmente, La Terra Trema sarebbe stata la prima di una trilogia di film sugli operai della classe inferiore, con un film finale trionfante, ma Visconti decise in seguito che la tragica fine del film era un commento sociale più potente. Tutto sommato, il lavoro più sperimentale di Visconti ha successo sia come narrativa emotiva, che come esplorazione approfondita della classe lavoratrice.

Bellissima (1952)

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Probabilmente l’ultimo vero film neorealista di Visconti è Bellissima: una satira pungente dell’industria cinematografica italiana. Il film è interpretato da Anna Magnani, una delle più grandi attrici italiane, nei panni di Madalena, una madre che spinge sua figlia alle audizioni e alle competizioni sul palcoscenico. Cercando di raggiungere il successo attraverso sua figlia, riesce a sfuggire alla dura realtà della fame e della povertà in Italia, vivendo nel sogno dell’industria cinematografica glamour. Madalena diventa sempre più esigente, sperimentando l’immaginazione della vita e la speranza stravagante, ma poiché le sue aspirazioni risultano più difficili da realizzare di quanto pensasse, la gelosia e la disperazione iniziano a influenzarla.

Bellissima è, oltre che una critica al mondo dello spettacolo, uno sguardo potente alle lotte sociali. Madalena è rappresentativa della classe inferiore, guidata dalla cultura popolare e spinta da essa. Spende tutti i suoi soldi in eccesso in abiti e lezioni per sua figlia, nonostante sua figlia sia troppo giovane e sopraffatta per concentrarsi sulla sua carriera. La performance di Magnani è eccezionale nel catturare la madre odiosa ed egotistica del concorso, rubando l’attenzione agli altri, come fa il suo personaggio con sua figlia. Uno dei film più accessibili e veloci di Visconti, Bellissima è un ritratto triste e spaventoso di un’industria spietata e della disperazione di una madre fuorviata.

Senso (1954)

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Dopo essersi associato come realista e regista del popolo nei suoi film precedenti, Senso mostra l’inizio dello sviluppo di Luchino Visconti in un regista più melodrammatico e appassionato. Il film ha come protagonista Alida Valli che interpreta l’infelice e ricca aristocratica Livia, che sostiene le rivoluzioni della classe inferiore in corso in Italia. Quando incontra il bellissimo ufficiale austriaco Franz, interpretato dalla star americana Farley Granger, si innamora, inizia una relazione torrida e alla fine lascia il marito. Sfortunatamente per Livia, Franz non la ama e la prende costantemente per i suoi soldi e la usa per tradire i suoi vecchi alleati.

A differenza di altri film di Visconti, Senso è inesorabilmente critico nei confronti della nobiltà in Italia, avendo quasi tutti i personaggi principali che si comportano in modo ignorante o riprovevole. Soprattutto Livia e Franz sono estremamente egoisti e rappresentano i sentimenti del regista nei confronti dei vecchi leader del paese. Nonostante abbia proiettato le sue prime idee politiche radicali, Visconti mostra i suoi primi tentativi di stravagante design di produzione e la sua maggiore attenzione al romanticismo e alle profonde emozioni umane. Segnato quasi esclusivamente da un tema impennato della settima sinfonia di Bruckner e girato in abbagliante technicolor, questo dramma è un pezzo importante nella fase di transizione di Visconti.

Le Notti Bianche (1957)

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Le Notti Bianche è un adattamento del racconto di Fyodor Dostoyevsky. Marcello Mastroianni interpreta Mario, un nuovo arrivato in città che incontra Natalia, interpretata da Maria Schell. Anche Natalia è sola e i due iniziano a trascorrere del tempo insieme, ma mentre Mario sviluppa forti sentimenti per lei, il cuore di Natalia appartiene al suo vecchio amore che ancora aspetta. Entrambi resistono ai loro desideri, ignorando altre alternative, nonostante sappiano che probabilmente non otterranno ciò che vogliono.

Il film è guidato da spettacoli tormentati e ossessionati, con Mastroianni in forma particolarmente alta. Trasmettono perfettamente la disperazione della loro relazione, con ognuno che desidera disperatamente cose diverse. La produzione più minimale di Visconti in questo film, evidenzia il commento appassionato ma deprimente sull’amore. È un leggero ritorno alla forma realista per Visconti dal precedente Senso, girato in bianco e nero e caratterizzato da una trama semplice. Tuttavia, nonostante non abbia un design sontuoso, Le Notti Bianche è uno dei film più emozionanti e coinvolgenti di Luchino Visconti.

Rocco e i suoi fratelli (1960)

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Considerato uno, se non il più grande film della carriera di Visconti, Rocco e i suoi fratelli bilancia perfettamente i suoi marchi di realismo e melodramma. Il film segue Rocco, interpretato da Alain Delon e i suoi quattro fratelli mentre interagiscono tra loro nei dintorni dell’Italia urbana, dopo essersi trasferiti dalle campagne. Tutti i fratelli hanno esperienze e trasformazioni diverse date dal cambiamento nell’ambiente. Quando i suoi fratelli iniziano a fare la faida e percorrono strade sbagliate, Rocco agisce come la forza che tiene unita la sua famiglia, sacrificando amore, denaro e opportunità, in modo che i suoi fratelli possano avere successo.

Tragico, grintoso e potente, il film di Luchino Visconti affronta molti importanti temi di vario argomento, tra cui le dinamiche familiari, la vita della città contro la campagna e l’importanza del sacrificio. Girato in bianco e nero con la sensazione sgangherata del suo lavoro precedente, ma con relazioni appassionate come i suoi film successivi, la sua visione è indisturbata in questa odissea stimolante e dominante dell’emozione umana. Una voce per eccellenza non solo nel lavoro di Visconti, ma un punto di riferimento in tutto il film, Rocco e i suoi fratelli è assolutamente da vedere per ogni cinefilo.

Il Gattopardo (1963)

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Il Gattopardo è uno dei film più acclamati della carriera di Luchino Visconti. L’icona di Hollywood Burt Lancaster interpreta il vecchio Principe, Don Fabrizio Corbera di Salina, in questo dramma storico ambientato durante il periodo di rivoluzione e disordini nell’Italia del 1860. La Corbera, conosciuta anche come Il Gattopardo, rappresenta l’ultima della vecchia aristocrazia in Sicilia, che sta lentamente assistendo alla sua decadenza. Suo nipote Tancredi, interpretato da Alain Delon, è al contrario simbolico della rivoluzione e della nuova generazione che prende il sopravvento. Interpretato anche da Claudia Cardinale, il film è una lenta meditazione sulla sbiadita nobiltà.

Splendidamente filmato e progettato magnificamente, gli scatti spesso raccontano più dei personaggi. Lancaster offre una performance profondamente intima, rassegnato e depresso per il suo destino. Il film, non tagliato, dura più di tre ore ma la sua atmosfera lenta e riflessiva è piena di emozioni e tensioni tra le due generazioni. Il Gattopardo è uno dei film più personali di Visconti, che affronta le radici della sua famiglia come nobiltà e lo scontro con le sue convinzioni comuniste. Un messaggio politico tanto quanto una bella opera d’arte, è assolutamente da vedere per tutti gli appassionati del cinema italiano.

Vaghe stelle dell’Orsa… (1965)

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Claudia Cardinale recita in questo moderno rifacimento del mito di Elektra nei panni della titolare Sandra, che ritorna nella sua città natale con suo marito per la commemorazione della morte di suo padre. Al suo ritorno, tuttavia, si immerge nelle sue abitudini passate. Sfortunatamente per suo marito, questo implica rinvigorire una relazione con suo fratello Gianni, che diventa a dir poco inappropriato. Mentre i fratelli si avvicinano, si uniscono contro la madre e il patrigno, che pensano stiano diffamando il ricordo del padre. Ancora una volta, Visconti si concentra sulle grandi dimore della nobiltà ambientate in un periodo in cui la loro influenza stava diventando sempre più irrilevante.

La produzione è di nuovo meticolosa ed elegante, in contrasto con i personaggi contorti di Sandra e Gianni. Tuttavia, a differenza di molti dei suoi film passati, si tratta meno di un’affermazione sociale e più di un tentativo di narrazione semplice. Cardinale offre una solida performance riuscendo ad essere sia sensuale che misteriosa nel ruolo principale, catturando il pubblico in quasi tutte le scene. Il film stesso è piuttosto eccitante, si occupa di temi tabù, e sebbene atipico tematicamente per Visconti, è molto avvincente. Vincitore del Golden Lion Award, Vaghe stelle dell’Orsa… potrebbe non essere il più forte o il più rappresentativo lavoro del regista, ma è una rivisitazione efficace di una storia classica.

Lo Straniero (1967)

Visconti torna a collaborare con Marcello Mastroianni in questo film ispirato dal romanzo classico di Albert Camus. Lo Straniero è il film più fedele al libro di uno qualsiasi dei molti adattamenti di Visconti. Mastroianni interpreta il personaggio principale Meursault, un francese residente ad Algeri che è sotto processo per l’omicidio di un uomo algerino. Meursault, tuttavia, non sembra preoccuparsi del suo crimine e nel corso del film mostra scarso interesse per qualsiasi cosa. Il focus di questo film non è solo sul crimine, ma soprattutto sul distacco emotivo di Meursault e sul suo ragionamento per l’omicidio.

Come Meursault, la regia di Visconti in Lo Straniero è in qualche modo distaccata, non mostrando il suo solito stile e la sua visione forte. Per richiamare l’attenzione sulla passività dei personaggi, Visconti usa colori tenui e set che non distraggono. La cinematografia è ancora calcolata ed efficace ma il risultato è molto meno sorprendente del solito lavoro di Visconti, permettendo che i temi del romanzo arrivino allo spettatore. La prestazione sommessa di Mastroianni è anche deludente ma efficace nel trasmettere lo scopo del film. Sebbene non sia il film più evocativo di Visconti e privo del suo solito grandioso design di produzione, è un adattamento intelligente di un romanzo complesso.

La caduta degli dei (1969)

La caduta degli dei è il film più oscuro di Luchino Visconti, che segue l’ascesa del partito nazista attraverso gli occhi di una famiglia di industriali. Quando il capo della famiglia viene ucciso, un impiegato Friedrich, interpretato da Dirk Bogarde, che ha una relazione con un membro della famiglia, Sophie, riceve una promozione. Ad aiutarlo è il suo parente, Aschenbach, un ufficiale delle SS che progetta che Friedrich uccida quelli che lo precedono in fila per il potere, incluso prendere parte allo storico massacro La notte dei lunghi coltelli. Le complicazioni sorgono, tuttavia, quando il figlio disturbato di Sophie, Martin, interpretato dall’amante di Visconti, Helmut Berger, decide di prendere il potere.

Il film è oscuro non solo nei contenuti, ma anche nella messa in scena e nella cinematografia. Molte forme di illuminazione vengono utilizzate per catturare le emozioni della scena, ad eccezione della luce solare, che molto raramente appare sullo schermo. L’atmosfera inquietante che questa tecnica fornisce, mostra quanto fosse inutile la lotta contro l’ascesa nazista in quel momento. Le incredibili performance si aggiungono anche alla tensione del film, in particolare il contorto Martin di Berger, che è uno dei nazisti più terrificanti e malvagi mai interpretati nel film. La caduta degli dei è insistentemente deprimente, rende giustizia agli eventi orribili, ma è ancora estremamente elettrizzante con relazioni e personaggi dinamici, rendendolo uno dei film di Visconti più emozionanti.

Morte a Venezia (1971)

Adattato dall’omonimo romanzo senza tempo di Thomas Mann, Morte a Venezia è stato l’ultimo vero capolavoro di Luchino Visconti. Dirk Bogarde interpreta Gustav Aschenbach, il compositore stanco che si sta riprendendo dalla  sua malattia e dal recente fallimento del suo nuovo pezzo, che si reca a Venezia per una lunga vacanza. Al resort, tuttavia, si innamora della bellezza di un ragazzo, Tadzio. Man mano che l’ossessione di Aschenbach diventa più forte, la malattia attanaglia Venezia peggiorando anche la sua situazione. Man mano che la sua salute si deteriora, la città si svuota ma egli rimane ad ammirare il ragazzo, trovando finalmente la vera bellezza, rendendo l’inevitabile conclusione sia tragica che meditativa.

Il film è relativamente fedele al libro, ad eccezione della professione (Aschenbach era originariamente uno scrittore) e la perdita dei riferimenti mitologici. La mitologia ha aiutato a sviluppare il rapporto tra l’artista e l’arte e, mentre Visconti cerca di trasmetterlo attraverso scene aggiunte di Aschenbach che parlano della musica, ciò non è così forte come nel libro. In definitiva, i cambiamenti di Visconti erano molto probabilmente in grado di migliorare la natura omosessuale della trama, alla quale forse era più interessato, e in tal modo l’attenzione sulla bellezza è in qualche modo persa. La performance di Bogarde è la migliore della sua carriera, offrendo una rappresentazione disperata e toccante come artista che invecchia. Alcuni potrebbero trovare il film un po’ lento, ma, con l’aiuto di una commovente colonna sonora di Mahler, la trama semplicistica e la concezione impeccabile lo rendono uno dei film più belli e suggestivi di Visconti.

Ludwig (1972)

Ludwig è il film più ambizioso di Visconti in termini di durata, e segue la vita di Ludwig II, re di Baviera. Helmut Berger, in una rappresentazione avvincente, si immerge nel ruolo del re tormentato, scendendo lentamente nella follia. Al centro del film c’è anche l’ossessione di Ludwig per la musica e l’arte, in particolare con Richard Wagner, che il re invita al suo castello a fare amicizia. La sua ascesa e caduta, descrivendo in dettaglio le sue problematiche relazioni bisessuali e l’impopolare decisione politica, crea un ritratto dettagliato ed educativo del leader.

Pur essendo molto personale nei confronti di Visconti, concentrandosi su temi musicali e omosessuali, Ludwig non è all’altezza dei contenuti per giustificare il suo enorme tempo di esecuzione di 4 ore. I set, le riprese e la recitazione sono tutti alla pari con le altre opere di Luchino Visconti negli anni ’70, ma il lento avanzamento della trama a volte può essere estenuante. Tuttavia, ci sono momenti eccellenti nel film che ricordano il talento e la visione di Visconti, e la trama complessiva è ancora abbastanza interessante da rendere il film guardabile. Ludwig non è il film più accattivante o accessibile di Visconti, ma è un grande esempio della sua abilità artigianale dettagliata, ed esamina un personaggio unico nella storia tedesca, non visto spesso nei film.

Gruppo di famiglia in un interno (1974)

Gruppo di famiglia in un interno è sicuramente il film più bizzarro della carriera di Visconti. Burt Lancaster, nella sua seconda collaborazione con il regista, interpreta un professore in pensione che vive in un tranquillo palazzo a Roma. La sua vita è interrotta da un gruppo di ricchi intrusi che gli chiedono di affittare loro una sezione della sua casa, e per qualche motivo inspiegabile accetta senza troppa resistenza. Composto da questo gruppo è una nobildonna interpretata da Silvana Mangano e il suo amante interpretato da Helmut Berger, che sono accompagnati dalla figlia e dal fidanzato. Il titolo del film si riferisce a un tipo di pittura che il professore raccoglie, con gruppi di persone nel mezzo di piacevoli discorsi.

La struttura del film si riferisce anche al titolo, essendo composto da varie scene interconnesse. Per questo motivo, sfortunatamente, la trama non si sviluppa in modo interessante, esplorando invece temi tipici di Visconti come la sessualità e la classe sociale in lunghe e noiose conversazioni. Le performance del film finiscono drammaticamente per la maggior parte del tempo, poiché i personaggi sono più simboli di valori che persone. La disorganizzazione generale e la natura caotica del film lo rendono il film meno efficace di Visconti, creando una storia e un’atmosfera irregolari. Ci sono elementi interessanti nel film e alcuni grandi momenti tra Berger e Lancaster.

L’innocente (1976)

L’ultimo film di Luchino Visconti elimina l’eccessiva indulgenza degli ultimi, creando un pezzo più raffinato incentrato sulle emozioni umane, ma utilizzando ancora un ampio formalismo creando un sentimento simile alle sue opere intermedie. L’innocente vede Giancarlo Giannini nei panni del misogino, elitario Tullio, che sfoggia apertamente la sua amante attorno a sua moglie Laura. Tuttavia, quando Laura diventa una sua amante, Tullio si innamora di nuovo di lei, più forte che mai. Ben presto Laura rimane incinta della bambina del suo amante e quando non abortirà a causa di motivi religiosi, Tullio deve affrontare una decisione difficile. L’innocente, come tanti film di Visconti, mette in rilievo un commento sulla lotta sociale in Italia, sebbene sia leggermente più nascosto del solito.

La portata del film è piuttosto piccola, ma il tema si presenta ancora nella forma del personaggio di Tullio, che è un archetipo per l’élite e la nobiltà in Italia. È egocentrico e insensibile per la maggior parte, tranne attraverso il sesso, che è la sua unica forma di relazione significativa. È anche capace di provare avidità e gelosia, ed è solo attraverso di loro che sperimenta ciò che pensa sia amore. Luchino Visconti dimostra la mancanza di umanità nella vita e quanto sia desensibilizzata la gente. L’ultimo lavoro del regista, terminato poco prima della sua morte, non è il suo più ambizioso, coraggioso o potente, ma è un lavoro solido, che riflette accuratamente le sue tendenze e i suoi punti di forza come regista.

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